dimarts, d’octubre 29, 2013

ESPAI D’ART. MIQUEL ARNAU


Aquí teniu el darrer “Espai d’Art” amb el protagonisme de Miquel Arnau , un dels grans artistes de la comarca , i no exagero , però que malauradament no es prou conegut ja que no ha entrat en la roda expositiva.


Una entrevista en la que ens demostra els seus coneixements artístics, tècnics , històrics i estètics. Una coneixements plasmats en la seva exposició a la casa Gòtica d’Argentona. Una exposició que cal visitar alhora que caldria reclamar un xic d’atenció per part dels responsables de qualsevol espai expositiu amb ganes de presentar una bona exposició.



diumenge, d’octubre 27, 2013

CA L’ARENAS I EL CEMENTIRI DE CAPUTXINS






Avui havia de triar , o anar a visitar la nova “experiència “ de ca l’Arenas , que segons sembla es va inaugurar ahir sense rectificar el targetó amb el que ens havien convocat, o aprofitar la visita guiada al cementiri de Caputxins per part del bon amic i gran historiador local, en Manuel Cusachs
La tria era evidentment molt fàcil. Per emprenyar-me amb el que veuré a Ca l’Arenas tinc molts mesos, però per gaudir de la saviesa de l’ historiador sols en tenia una oportunitat. Una tria evidentment encertada dons ha estat una matinal magnífica.

Passejar-se per els cementiris és una visita cada vegada més habitual. Molts d’aquests indrets de diferents ciutats del món disposen ja d’uns recorreguts amb els que poder descobrir no tan sols els indrets mítics on reposen les més diferents personalitats dels més diferents àmbits , ans també , - i per a mi el més important -, una guia indicant les peces d’art que es troben en el mateix.

Avui en Manuel Cusachs ens ha fet passejada per la història, per els fets i per els personatges de tota mena que allà hi reposen. Igualment ha fet esment de les peces escultòriques de nivell que podem visitar , encara que s’ha de dir ben clarament que son escasses i de nivell mig , amb les signatures principals de Jordi Arenas i Jordi Puiggalí.
Una passejada arrodonida finalment , amb el lliurament que se’ns ha fet als visitants del llibre històric del cementiri , del mateix Cusachs i amb unes magnífiques fotografies de Ramon Manent.

Justament passejant per el cementiri i després de veure els tombes dels germans Arenas o del dibuixant Cuyàs, hem pogut veure el lloc on reposa Lluís Terricabres , en “Terri” i a un, de cop i volta se l’hi ha encès aquella llum d’alarma que indica un oblit, en aquest cas lamentable.

Dic això ja que amb tot aquest desgavell que està essent el nou projecte de Ca l’Arenas, hem lloat el fet de que es pugui veure ara Brotat i Planasdurà, i després Alcoy, Hernández Pijuan, Cuixart i Tàpies. A priori magnífic , després ja veurem, però encara que sigui “material” fluix , serà d’una qualitat gens habitual per a la ciutat.
També ens hem queixat de l’oblit de Josep Mª Rovira Brull. És difícil entendre com s’ha deixat de costat a l’artista que mitjançant la seva “Laia” , no tan sols ha entrat en el cor de tots els mataronins , ans el que és més important , l’ha convertida en el veritable símbol de la ciutat.





Però del que en canvi no hem dit res d’en Terri i ell és el causant de tot l’enrenou. El museu de Mataró va ser pal de paller en l’obertura artística del moment , evidentment per la complicitat del seu director en Rafael Estrany , però essencialment per el paper d’en Terri que va portar a la ciutat als seus amics artistes. A l’Alcoy, en Rovira , en Juanito Hernández Pijuan i en Planell amb qui conformà el grup Silex , però també amb la gent de Dau al Set , amb en Tharrats al capdavant doncs , si no recordo malament , tenia relació amb Caldetes. Ell va ser l’agitador de tot l’enrenou i el causant de tanta exposició tan revolucionaria com excel·lent.

Per això avui se m’ha encès la llum vermella de l’oblit. En tot el que he llegit al voltant d’aquesta exposició no he trobat mai el nom de Terri. Ni en les notes oficials ni en els escrits de premsa. I oblidar Terri és oblidar l’eix motriu, l’excusa , la raó i la causa. No destacar-lo ja a priori és un greu error. Veurem , en visitar l’exposició, si l’error és irremeiable.

Certament ha estat un encert del tot la visita al Cementiri de Caputxins. Per ella en si mateixa i per el record personal davant de la tomba d’en Terri, tot disculpant-me per el greu error del meu oblit.

Un oblit que m’agradaria que sols fos meu.






dissabte, d’octubre 26, 2013

ARTESANIA





Tots sabem que els artistes precisen en moltes ocasions d’altres professionals que els ajudin a  dur a terme els seus projectes. El cas de certes escultures és el més evident i el cas de Mataró encara més, doncs hom sap que en obres de Tàpies, Palazuelo i tants d’altres no existirien sense haver passat per el cap penant i les mans hàbils de Pere Casanovas i la gent del seu taller.

Josep Vinyals és un d’aquests artesans que en el decurs de la seva vida ha dedicat bona part del seu bon fer a realitzar físicament en el camp escultòric del ferro i la metallisteria , aquells projectes realitzats per diversos autors, alguns de la importància de Rovira Brull. Una tasca que podia haver estat realitzada de manera simplement mecànica però que en el cas de Vinyals, home saberut, va anar més enllà adquirint el coneixement interior de l’artista per a poder assolir així uns resultats més escaients.

Ara , retirat professionalment de l’ofici, Josep Vinyals ens mostra la seva personal mirada , una visió en la que es fa escaient, potser massa , les influències d’aquells autors amb els que ha treballat i dels que ha copsat modus i maneres.
Però la veritat s’evidencia sempre. La tècnica és sempre mitjà i mai finalitat en si. La tècnica per si sola no arriba més enllà i aquest fet salta a la vista en aquesta exposició que ens presenta a la sala de la Presó.

Passejar-se per la mateixa és fer-ho per un jardí ben acurat però sense cap mena de trempera especial. Una obra ens porta cap un autor, una altra cap un altre , però en cap d’elles apareix el deix de l’artista, l’ànima que serveix per trencar l’asèpsia de l’ofici per assolir aquell fet personal de la creació.

És per això que la mostra esdevé una clara elegia de l’ofici. Un ofici pulcre , sense imperfeccions, en el sentit més integre del mateix. Però l’art és altre cosa. L’art és vibració, és sensibilitat , ´ñes emoció. Ës vida en una paraula. I aquesta no apareix en una exposició digne del millor dels artesans però que no assoleix el significat de l’art com a ens  creatiu que és i ha de ser.



dimecres, d’octubre 23, 2013

LES NOVES DESVENTURES DE CA L’ARENAS





Que el nou projecte expositiu de Ca l’Arenas és un pur desastre ho sabem tots, però a més la desídia i el descontrol ho dominen tot. La imatge que encapçala el post és la de la targeta que he rebut convidant-me a la inauguració de la nova exposició, rebuda no com a crític d’art doncs no consto, i sí com a col•laborador de la mostra doncs he cedit una peça de Planasdurà per a la mateixa.

Comença per convidar-me l Joaquim Fernández Oller que evidentment sé qui és, però tenint en compte que la convidada s’hauria d’escampar per arreu és d’habitud indicar en raó i causa de que em fa la convidada, que en aquest cas és com a Regidor de Cultura. Però això no deixa de ser anècdota. El pitjor està que em convida per el dia divendres 26 d’Octubre , que no existeix, quan el que existeix son el divendres 25 o el dissabte 26.

I d’aquí el meu dubte.L’exposició estava programada per el dissabte 26 a les 19.30 hores, però en coincidir de ple amb el Barça- Madrid la prudència indicaria fer-ne un canvi per a tal de garantir el ressò de la inauguració , que és del que es tracta. S’ha canviat al divendres però en el “ tallar i enganxar” no han canviat la data numèrica?. Segueix essent la inauguració el dissabte però habituats a que sempre es fa en divendres al tallar i enganxar no han canviat el nom del dia?.
Tenint en compte que en el títol de la comunicació parla del dissabte , he de creure en aquesta data?. Encertaré?.

Sigui com sigui bo seria que ens aclarim i s’indiqui als convidats lloc i hora correcte. I sigui com sigui , aquest fet és una demostració , no tan sols de la més absoluta manca de control , ans també  de la més absoluta falta de respecte que Cultura en general i el Museu en particular té vers l’art plàstic i aquells que creiem en ell.

 I seria bo ja que tenim ganes de veure l’exposició i entendre aquest batibull que s’ha muntat en la seva confecció i explicar-nos allò que no s’ha explicat.
Explicar per exemple com es menja que mentre s’ha dit que aquests tres anys de durada seran per fer repàs a l’art i als artistes de la ciutat en aquest temps,  es foragita als mateixos mentre en canvi manté ineludible el seu espai i el seu pes la zona contemporània , amb el muntatge , exposició, instal·lació o ves a saber , de Rafel G. Bianchi , “Debe haber algo que esconder” , títol tan escaient com premonitori en el que pertoca a Ca l’Arenas i a la seva gestió en general i  aquesta exposició en particular.

O explicar el per que de la tria de Brotat i Planasdurà com a protagonistes d’aquesta primera exposició , corresponent fins a 1958, quan per els espais del Museu van passar en aquests temps, artistes molt més importants com és el cas de tot el grup Dau al Set amb Tàpies al davant ; la gent de Silex amb noms tan importants com Hernández Pijuan, Planell i els nostrats Rovira Brull i Alcoy. O el cas de Villèlia i de tants d’altres.

Per què Brotat i Planasdurà, quan de Brotat per ex. n’hem tingut fa ben poc un excel·lent mostroari a la Nau Gaudí?. Sí, ja sabem que el comissari de la mostra es va doctorar amb Brotat i té relacions amb l’obra de Planasdurà però, ¿ no es tractava de parlar de la realitat artística i cultural del Museu d’aquells anys?, quines son les raons d’elecció del comissariat que molt ens temem no té coneixença exacte del present i el passat de la vida artística mataronina i de la pròpia del Museu?.

I com no, explicar com seguirà la programació ja que a hores d’ara a menys de 48  hores de la inauguració ( si és que és divendres)  el web municipal no en diu res i si mirem a Ca l’Arenas encara estan en el “Mar de fons” que sortosament ja fa unes setmanes es va enfonsar definitivament després del més espectacular dels fracassos, fet evident quan en l’acte de presentació del catàleg no arribaven a la dotzena el nombre d’assistents.

Esperem ansiosos doncs la comunicació de la programació , el que ens ofereix l’exposició , les explicacions als molts dubtes que genera, però per damunt del tot , esperem saber dia i hora de la inauguració , per assistir-hi si ho creiem convenient.

I esperem principalment que existeixi a Cultura i al Museu , el desig de no seguir amb aquesta cataracta d’errades que un periòdicament no es cansa de denunciar. Però estem convençuts que no faran res , és a dir, com d’habitud.

Fa un parell d’anys s’inaugurava “Mar de fons” com una revolució tecnològica que relacionava les obres exposades amb les dades dels artistes que s’havien escrit a la Viquipèdia. Era flagrant que marcant l'obra de  Perecoll un era redirigit a un desconegut “Pere Coll”. Les protestes , començant per el mateix artista, van ser tan nombroses com la conya que es va generar. Han passat dos anys i l'obligada modificació que es va fer va ser començar l’article dient ... Pere Coll , conegut com a “Perecoll".... La llàstima és que aquesta correcció no tan sols no era això, una correcció, ans era una demostració de la manca de vergonya professional, ja que tots sabem que “Perecoll” és diu en realitat Pere González Coll.

Dons res , a esperar. I fer-ho amb el convenciment que de nou ens trobarem amb un esperit i un fer que no ens agrada i que no és el que mereix l'art , els artistes de la ciutat , els afeccionats i la pròpia Mataró.lUna espera que pot ser de quaranta vuit hores o de mes, ves a saber. Però el dubte em neguiteja, ens ho arribaran a comunicar a aquells a qui han enviat la invitació errònia?.

Els mantindrem informats.

Ps.- No voldria acabar el post sense agrair sincerament a tots aquells que d’una o altre manera m’han fet arribar el desitjos de felicitat en un dia com el d’avui en que estreno el “ – 3 “ , és a dir, compleixo 62 anys.
Gràcies a tots per el seu desig i principalment la seva amistat que no saben prou quan la valoro.
Gràcies de tot cor.

dilluns, d’octubre 21, 2013

LÁGRIMA SECA.- LITA CABELLUT / GERARDO GIL (III)






"El duende es un poder misterioso que implica
otra manera de pensar y de sentir."
                                                                    LITA CABELLUT
                                                                                                           

 INTENSIDADES

La forma narrativa obedece a un ritmo, es la síntesis de una métrica que hace latir el tiempo en periodos regulares con un acento que modifica la longitud o la amplitud del lienzo. Esta propiedad vibratoria y musical aparece con evidencia en la serie "Lágrima Seca", donde los retratos y figuras que la componen nos transmiten una INTENSIDAD sonora llena de sensualidad, marcando un compás donde desaparecen y se diluyen las notables diferencias entre dos culturas que ya no tienen necesidad de recordar su pasado, ya no necesitan procedimientos especiales para fusionar su relato, pues los personajes representados llevan en su interior ese ritmo entrecortado, íntimamente guardado y al escucharlo un acento circunflejo se cierne sobre nuestro corazón, trasladándonos a ese territorio confidencial del diálogo interno, donde un conjunto de emociones se yuxtaponen, mezclando las ideas del saber hacer, del saber mirar o del saber escuchar.




Desde el origen, el grito es la mayor manifestación de excitación de la materia viva, ya sea en el dolor o en el placer. Un trazo sonoro, una envoltura verbal, un lamento exacerbado, nos recuerda que nos hallamos delante de un territorio vertiginoso que se extiende entre el cuerpo y los símbolos, entre el signo y el lenguaje, donde la palabra ejerce de boomerang entre el interior y el exterior de nuestros sentidos. Intuimos un grito profundo de alarma, de protesta y libertad que atraviesa las imágenes de los cuadros de Cabellut, dentro de un organizado delirio que va transformándose en poesía. Una poesía que inunda nuestros oídos con su música callada, con su sordo "QUEJÍO", que a veces por su INTENSIDAD, nos impide deambular entre los poros de sus enormes cuadros. Todo un abanico de interrupciones del pensamiento, queda relegado a la esfera del lenguaje, sin ejercer violencia alguna contra nosotros, más bien al contrario, con su muda melodía nos acompaña en nuestro viaje por un pensamiento ajeno que constituye una ruptura de la subjetividad. El "DUENDE" emana energía y con su ritmo musical nos va acercando a un universo donde los hechos cotidianos, serán considerados la fiel manifestación de nuestra forma de pensar y de sentir. Una visión muy sutil de la vida, adaptada a la capacidad humana de componer signos y figuras, dentro de un caos en perpetua rotación.




El concepto budista MONO NO AWARE, utilizado para transmitir en el arte oriental una sensación de bella tristeza, de triste melancolía, nos envuelve desde su fugacidad, insistiendo en los conceptos tiempo, espacio y materia como refugio para nuestra sensibilidad atravesando nuestros pensamientos en silencio. La complejidad y arbitrariedad de las texturas también son elementos esenciales en estrecha relación con la cultura oriental, concretamente con el WABI SABI o arte de la impermanencia japonés, ya que sin ellos, las piezas no sugerirían realmente la naturaleza de la evolución de un pensamiento, basado en la idea de la perfección como concepto inalcanzable. Este principio se refleja en las telas de Cabellut, cuya superficie no llega a tener un acabado suave y pulcro, sino al contrario, son el resultado de la descomposición de la naturaleza orgánica de sus propios materiales, tras un proceso de investigación muy complejo, que ha tardado más de cinco años en realizarse.




El lienzo se convierte en mesa de laboratorio, produciendo resultados sorprendentes, donde se añade  la expresividad de la propia materia en conjunción con diferentes capas de colores.
Para adentrarnos en el origen y evolución de la técnica pictórica de Cabellut, tendríamos que trasladarnos hasta el Antiguo-Egipto y descubrir el PALINSEPTO, basado en la idea de sobrescribir o repintar sobre papiros o tablillas de madera, diferentes textos y jeroglíficos que se iban superponiendo. Un método excelente aplicado a la pintura, donde la materia ordenaba el proceso creativo. Pintar, borrar y añadir nuevas capas de pintura, de forma casi simultánea, para hacerlas coincidir sobre la misma superficie. 





Más adelante e insistiendo en la misma idea, aparece la XILOGRAFÍA o UKIYO-E, que se desarrolla en Japón durante el siglo XII, consistiendo en un grabado o inscripción sobre madera de cerezo, que servía para estampar las telas. Se elaboraban varias planchas de la misma imagen, una por cada color y se iban estampando sucesivamente, una sobre otra en el mismo lienzo. A diferencia de la gráfica occidental, en Japón no se utilizaba la prensa, sino un redondel de cuerdas que servía para presionar sobre la parte trasera de la tela, con movimientos circulares. Un proceso artesanal que requería una gran habilidad y que fue aplicado a planchas de metal por Durero en 1498, para la realización de su fantástica serie "Apocalipsis". 




Avanzando en el tiempo, con el expresionismo alemán, surge la técnica del IMPASTO que también consistía en ir añadiendo sucesivamente, sobre una superficie espesa de pintura aún muy húmeda, colores y texturas que producían grietas y estrías por donde guiar el ojo más allá de lo visible, la mano e incluso el brazo del artista fuera de sus límites, consiguiendo un efecto tridimensional en las obras.Materia-fetiche, trazos y formas en conjunción con masas de colores, el significante sustituyendo de nuevo a la parte simbólica, un viaje en espiral de Auerbach a Tàpies hasta llegar a Richter, donde la depuración y sofisticación de ésta técnica alcanzará su punto más álgido. Aplicando la teoría del referente y asimilando la influencia de sus grandes maestros, Cabellut añade además a sus telas la técnica del CRACKING, proceso de destilación de las moléculas de ciertos compuestos químicos, que a altas temperaturas las transforma y ramifica en otras más simples, pero no menos impactantes.




Los cuadros que componen la colección "Dried Tear", van a concentrarse en un modelo del mundo en constante desplazamiento, entregándonos la identidad, la forma acabada de un rostro, como signo de lo estático, como superficie donde introducir nuestra subjetividad y sus fuerzas pulsionales. Un lugar de encuentro del conjunto de impulsos e INTENSIDADES individuales, que componen la vida humana. Sensible a ese "eterno retorno", reflejan el rumbo cambiante del rostro, transmitiendo la sensación de movimiento, intensificando las formaciones del espíritu. Parece como si los rostros estuvieran cuarteados, erosionados y en conexión con los demás rostros, en una red compleja que nunca se detiene. 





Una tensión constante entre umbrales y deslizamientos progresivos, que alteran el mundo cambiante de la existencia, rompiendo en su círculo vicioso con la tendencia a la uniformidad con la que imaginamos nuestro propio rostro, el signo más visible del perpetuo cambio. Un modelo de figuración que ata nuestro pensamiento a la ficción, a la fábula de un cruce quebrado de conexiones entre dos culturas en perfecta armonía. Oriente-Occidente, dos formas distintas de interpretar un mundo repleto de signos, de sustituciones simbólicas, de niveles dialécticos yuxtapuestos, en los que Cabellut actúa de mediadora, como alquimista de la materia, para restablecer el uso simultáneo de dos funciones correlativas: la imaginaria y la simbólica en el Arte Universal.



diumenge, d’octubre 20, 2013

LAGRIMA SECA ( II ) . LITA CABELLUT / GERARDO GIL







( ... )
"Me gusta siempre cuestionar qué es realidad y qué es fantasía".
                                                                    LITA CABELLUT
                                                                                                            SEGMENTOS

Los ideogramas de la escritura china proceden de la pintura, de un "pictograma"  que ha enseñado al ojo chino a reconstruir una síntesis de lo real, concentrándose en sus rasgos más específicos, sin detenerse en el detalle, buscando una forma equilibrada, rítmica, de cada elemento figurativo. Toda forma se convierte en símbolo generalizado. Lo real estilizado en su forma más sintética, viene consolidado por la figura del pintor JING HAO y la del poeta WANG WEI, pertenecientes a la época de la dinastía Tang del siglo VIII. Por ellos atraviesan los tres ejes fundamentales que caracterizan la historia del pensamiento chino: el confucianismo, el budismo y el taoísmo y los seis SEGMENTOS o axiomas que determinan la estética del BI FAJI o ausencia de método: 1) QI- El libre movimiento que guía al pincel / 2) YUN- Ritmo / 3) SI-Composición / 4) JING-Factor anímico / 5) BI- Habilidad / 6) MO-Conocimiento de la materia.

Un juego de apariencias estructurado proporcionalmente, que nos transmite la sensación de que todo verdadero conocimiento es imposible. Sólo será posible percibir las supuestas apariencias y similitudes entre dos mundos, por la fuerza de la inteligencia, por la profundidad de una brillante mirada que ilumina ese otro mundo con luz propia, haciendo resplandecer toda una serie de rostros y figuras de otra época. 
Ante los cuadros de Cabellut, la realidad nos supera y nos devuelve con su boomerang, una experiencia privada que guía nuestra mirada, para enseñarnos de nuevo a ver el mundo en su diversidad, haciendo de cada gesto, de cada elemento figurativo, un lugar privilegiado, que no se reduce simplemente a la espontaneidad alucinada y desproporcionada de la composición de sus obras, sino que a través de la búsqueda de un lenguaje pictórico personal, apoyado en una técnica insólita y novedosa, consigue transcender también, los límites del discurso oriental, sumiéndonos dentro de su realidad, que se irá convirtiendo en la noticia pictórica de nuestra propia realidad.






Una noticia que se sitúa lejos de los conceptos convencionales del arte contemporáneo, con una propuesta estética que apuesta por un arte más misterioso y menos industrial que el de sus coetáneos, donde predominan las instalaciones más monumentales, las obras más conceptuales, las piezas más efectistas... Aquí el discurso es neutro, calmo, pasivo, y establece un diálogo con un cosmos alejado de nuestra realidad inmediata y cotidiana, planteando un nuevo lenguaje, donde lo sublime se une a lo posible y lo imposible, para componer la mise-en-scène de un universo, cuya escenificación resulta distante, oculta y enigmática. 
Cabellut no pinta un rostro o una figura en un cuadro, sino que más bien refleja la manera en que ese rostro, esa figura, decide mirar al mundo. "No pintes el objeto en si, sino el efecto que produce", recomendaba Stéphane Mallarmé a Édouard Manet. La balanza se inclina hacia un realismo escenográfico, basado en la concepción de la obra a través del nacimiento y la razón de ser de la materia. Los cuadros son una yuxtaposición directa y no una mera representación-ilustración de los sentimientos. Su realización no está determinada por el dinámico trazado de una larga línea unificadora, sino por la relación entre sus diversos SEGMENTOS o axiomas energéticos, esparcidos por la superficie de sus telas.

Aquí los factores espacio-tiempo, cobran una relevancia fundamental que se traduce en el significado que logran sus enormes formatos. La superficie está estructurada por un ritmo común con multitud de centros cromáticos autónomos, que parecen explotar en sus diferentes zonas, debido a la superposición y concentración de hasta quince capas sucesivas de materia.




Estamos ante un hecho pictórico importante, donde lo que destaca en realidad es la coherencia y el equilibrio de las formas, frente a un mundo imaginario transformado en sueño, donde se refleja el paroxismo persistente entre signos y símbolos, evocando una suprarrealidad misteriosa y arquetípica que impide a priori, una interpretación o una lectura unívoca del contenido.

Los ejes oníricos vienen provocados por esa técnica aplicada en los lienzos, donde descubrimos tres SEGMENTOS indisociables:
- La idea del caos y su representación.
- La idea de lo absurdo y su escenificación, que se diluye, ya que no existe escenificación posible dentro de lo absurdo.
- La síntesis manifestándose en CLOSE-UP’S, sustituyendo a la suma y a la coherencia, la unidad desplazando al análisis.





Hay una conexión, un hilo directo basado en la energía con que se transmite la idea del caos, como representación de una realidad continuamente cambiante y la iconografía de la obra de una artista española de origen gitano, que ha sabido desarrollar una disgresión técnica al servicio de una idea, que enlaza muy sutilmente con las claves del pensamiento y la evolución del arte oriental. Partiendo de Kano Eitoku, So Shiseki, hasta llegar a Zao Wou-Ki, descubriremos el principio de “sincronicidad” que indica una correspondencia entre dos sistemas, entre dos estados simultáneos, en abierta oposición al axioma de “causalidad” de la cultura occidental, donde los fenómenos de la vida y el caos, se relacionan entre sí, regidos por una conexión de causa-efecto.

En esta visión sincrónica de la civilización, cuerpo y espíritu son dos percepciones diferentes de una misma energía, que Cabellut absorbe como referente decisivo en el contenido de su obra: la fragilidad, la tristeza, la histeria de la ignorancia, la idea de lo absurdo, el miedo a la muerte, la degradación del poder, los sueños inundados por monstruos extraños, no dejan de ser conceptos rescatados de esa filosofía oriental, condensados y encerrados en un espacio escénico cargado de tensión. Pinturas duras, a menudo llenas de una furia apenas controlada, dentro de los márgenes y aristas del gran formato, elegido precisamente para extender el brazo y la mirada, aceptando el desafío de la escala.




Nuestra imaginación se detiene para enfrentarse a todas las contradicciones de un pensamiento enredado en lo absurdo, cubriendo con imágenes lo carente de razón, haciendo un esfuerzo en el que la inteligencia y la pasión se mezclan para desaparecer después. Donde comienza la expresión, termina el pensamiento. La obra de arte encarna el drama de la inteligencia, pero sólo lo demuestra indirectamente, exigiendo a la artista una aproximación hacia lo concreto cuya interpretación no signifique nada más que lo concreto. Una vez más, lo que estás imágenes proponen, es un retorno a la exaltación de la belleza como impulso supremo, dentro de una combinación apocalíptica entre lo sublime y el caos.

Camuflarnos en el mundo de lo absurdo tras los cuadros de Cabellut, conlleva una mise-en-scène muy exigente y resultará un desafío, pues tampoco existe método ni modelo predeterminado que nos indique el camino a seguir. Sólo podremos basarnos en nuestra intuición, pero jamás en el extraño poder de la argumentación. Mucho menos en los SEGMENTOS energéticos e  iconográficos del arte, pero sí en la meticulosa observación del detalle, en la sensibilidad a su estilo y en una comparación exhaustiva entre dos culturas, fundamentada en la retentiva de nuestra memoria visual.

( ... )

( Nota al marge. L'exposició que s'inaugurà ahir va vendre totes les obres exposades en menys de 24 hores )

dissabte, d’octubre 19, 2013

LAGRIMA SECA. LITA CABELLUT / GERARDO GIL



Tal i com ja varem comentar , en el decurs dels propers post anirem desgranant el majestuós escrit que el bon amic Gerardo Gil ha realitzat per a l’exposició  “Dried tear” que Lita Cabellut, l’artista emergent del moment inaugurava ahir mateix a “Opera gallery” de Singapur.

De la vàlua de Lita Cabellut tots en varem ser conscients quan abans de l’estiu presentara la seva obra a la Fundació Vila Casas. De la importància d’Opera gallery tot queda clar visitant el seu web o observant les seves ubicacions en indrets tals com París, Londres, Singapur, Seul, Mònaco, New York, Hong Kong, Dubai, Ginebra o Florida.

En aquesta conjunció apareix l’escrit de Gerardo Gil, escrit sota la flaire del Maresme , a Vilassar de Dalt , i ves a saber si inspirat en les exposicions i/o estudis que ha anat visitant per les nostres contrades , com per ex. ahir mateix que amb tota senzillesa, es va acostar a veure la magnífica expo de Miquel Arnau a la Casa Gòtica d’Argentona , departint amb la seva bonhomia amb amics i coneguts.

Un escrit el que publicarem en tres o quatre capítols, que és de digestió lenta per la seva profunditat. Un escrit per assaborir a petits glops , que ens permet endinsar-nos en el profund eix del pensament creador de l’artista. Un escrit que explicita les raons d’una genialitat. Un escrit que no us heu de perdre.

( Les fotos que acompanyen el post corresponen a l’acte inaugural que va ser un veritable esdeveniment social a Singapor i son una gentilesa de l'autor del catàleg).





LÁGRIMA SECA


"Cada cuadro que pinto contiene una pequeña historia,
cada trazo una frase y una sílaba cada pincelada"...

LITA CABELLUT
                                                                                                                                                                             NEXOS

Existe una relación implícita en la obra de Cabellut entre el "método" aplicado en su pintura y su concepción del universo, que tiende hacia una visión global y un reconocimiento del pasado, convertido en testigo silencioso de los cambios y desarrollos del presente, mediante un flexible equilibrio entre Oriente y Occidente, atravesado por un lenguaje estético que nos descubre plenamente las conexiones entre ambos. Las fuerzas del "yin" y del "yang" convertidas en una alternancia de conceptos, que implican transformaciones, metamorfosis, matices y gestos en constante movimiento, para revelarnos ese viaje en busca de lo esencial, creado a partir de superficies y texturas nuevas en los lienzos e imponiendo la luz sobre la oscuridad, el énfasis sobre la representación, el contraste de colores sobre nuestras emociones, todo ello dentro de un boomerang, que sirve como hilo conductor transparente entre dos culturas.

Partiendo de este contraste entre conceptos, imaginariamente fundidos en la serie "Lágrima Seca", accedemos a un universo secreto, mediante una secuencia compleja de surcos, poros y estrías por donde poder penetrar y descubrir una nueva e insólita aproximación a la función mágica de la pintura. La facultad de poder elegir entre la belleza invisible y lo bello visible supondrá un reto muy arriesgado para nuestros sentidos, un juicio relacionado con la materia, donde la propia naturaleza de la representación artística, desaparecerá, diluyéndose e identificándose con nuestra propia imaginación. Una acción en la que la artista se expresa de forma directa mediante una combinación entre el consciente y el subconsciente, entre el contenido y la forma de la obra. Aquí lo que importa es la postura frente a ese mundo imaginario, sin principios éticos ni corrientes estéticas, donde nos subyuga su resultado final. La lectura del "ojo sólido-lágrima seca" de ese proceso transfigurativo, su análisis conlleva una clasificación establecida por los NEXOS que fluyen entre el objeto y su imagen, entre un concepto y un texto pictórico con figuras alegóricas, representaciones narrativas, ciclos e interpretaciones subjetivas. La iconografía es sólo posible cuando las obras pictóricas poseen una argumentación y una base lingüística propias, que nos permita interpretar su potente significado simbólico, como es el caso de los treinta cuadros que componen ésta serie, donde se desarrolla un "método" esquemático muy aproximativo que nos permite determinar su iconografía a partir de modos de conducta universales e individuales.




Algo sí está más claro y es que frente a su obra nos sumergimos en un luminoso claroscuro, volcado hacia lo absurdo y sus consecuencias o como Cabellut sugiere, un Imperio hundido en la histeria de la ignorancia, perdido en la espiral de su propia esquizofrenia. Los personajes representados en los cuadros, asisten a nuestra propia representación, en busca de una hipotética inmortalidad, transmiten emoción, tensión, tristeza y fuerza e intuimos en ellos un grito de alarma, de protesta y de libertad, que traspasa las imágenes como en un espejo, donde los NEXOS imaginarios se desintegran en los ficticios espejos de las telas, inundadas de un barniz transparente, para configurar simultáneamente su propio simulacro, devolviéndonos nuestra propia representación, que permanecerá enquistada en nuestro subconsciente para siempre, ayudándonos a ampliar nuestra sensibilidad y nuestra percepción de la vida.




Una fascinación compartida: el descubrimiento de una cultura oriental, con una estética y una visión del mundo aparentemente distantes, pero que a través del arte, estableció un rico diálogo con la sociedad de toda una época, la Europa de la segunda mitad del siglo XIX, donde iniciativas tan influyentes como la Exposición Universal de 1888, Siegfred Bing y el "Art Nouveau" o Bracquemond, dejaron su huella en la obra de artistas del post-impresionismo, simbolismo y modernismo  e incluso en las nuevas vanguardias. Una gran riqueza de propuestas estéticas en obras tan diversas como las de Marià Fortuny y sus "Fantasías Japonesas", las "Cerámicas Orientales" de Pablo Picasso o las xilografías de Edvard Munch, Joan Mirò, Kirchner y Hockel. Una corriente que aportó temas, técnicas y formatos dentro de un poema dirigido a Occidente, que descubrió todo un mundo de ideas y formas.





Sumergiéndonos en la serie "Lágrima Seca", donde los retratos de Cabellut se convierten en un inmenso paisaje oriental, advertimos su coherencia con el texto de Bing, "Le Japon Artistique", publicado en 1888,  donde señalaba la necesidad de diferenciar entre el verdadero arte y los productos vulgares que imitaban obras magistrales. La pasión por lo raro y extravagante, por lo exótico, nada tiene que ver con los cuadros de ésta serie. No son imitaciones ni humillantes pastiches de otras obras, sino una respuesta estética coherente, un reconocimiento aristocrático, que realza paradójicamente el carácter popular de un arte distante, encuadrándolo en su propia iconografía.


No hay narración, ni siquiera representación, sólo interpretaciones subjetivas interpretándose a sí mismas, cuyos conceptos fluyen como metáforas disfrazadas, luchando por transmitirnos su forma de pensamiento. Están detenidas en el tiempo, pero podemos insuflarles vida a través de sus cavidades infinitas, introduciéndonos entre los canales de sus venas. "Las cicatrices son realmente venas que tienen las telas, mi obsesión es darles piel a los personajes que retrato. Después van mis pinceladas" señala Cabellut. Un viaje que exige mucha concentración, toda nuestra invención y colaboración creativa, para simplemente conseguir caminar por ellas. Son el reflejo de un mundo representado en un gran espejo, que debemos atravesar para introducirnos en un desierto donde nuestra imaginación deambulará  libremente por otros mundos imaginarios.




Cada cuadro se desdobla en otra réplica, que insinúa una nueva visión del significado del anterior, como en un juego de espejos, un vaivén compuesto por varias ramificaciones del discurso, donde nos enfrentamos a las lágrimas, al reto, a la verdad o la ilusión, como en una parodia sustentada por una cuestión matérica: las diferentes capas de pintura que se van añadiendo a los lienzos, para borrar decididamente el origen del pensamiento. Como sí fuera la teoría nietzscheana del "eterno retorno", convertida en parodia de todas las teorías posibles. El objetivo consiste en contrastar a través de sucesivas deformaciones paródicas, un cruce de culturas que plantea y cuestiona por dónde deben de ir los designios de la humanidad, cual es su condición, qué barreras deben trastocar, qué límites vencer o cómo reconstruir un nuevo dominio, desde donde la ley se regule por nuevas leyes, por leyes contra la ley, haciendo germinar con más ímpetu nuestra admiración al tributo de una artista hacia otro mundo, que seguirá  reflejándose en el espejo de nuestra propia dispersión, con una suave inflexión.


El fuerte contenido de las imágenes, disgrega la línea narrativa de un lenguaje, donde no se aplican límites formales a lo que no tiene límites, donde las viejas relaciones entre signo y significado, entre significante y símbolo, ya no existen, ya no tienen ningún valor, porque vienen renovadas por la fuerza de la imposición de otra lógica mental sobre la realidad, que incluso comienza a resultarnos familiar, al revelarnos el máximo principio oriental de la pintura, donde siempre prevalece la falta de "método", el "método del no-método", como axioma insustituible en la praxis del arte.



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Gerardo Gil