LITA CABELLUT, UN IMMERESCUT “PREMI "LA VANGUARDIA”

 

Aquets passat dilluns La Vanguardia, prenia exemple d’altres diaris importants i en motiu del seu 142 aniversari celebrava una gran festa  a Montjuic i lliurava per primera vegada els seus “premi Vanguardia” en diverses categories : Empresària de l’any, empresari de l’any , Innovació, Talent Jove Internacional, Impuls Ciutats i finalment el de Cultura. Fora de no entendre de cap de les maneres la dualitat masculina/ femenina en la categoria d’empresari de l’any, tal i com acostuma a ser habitual el més discutit ha estat el de Cultura que s’ha atorgat a Lita Cabellut.

Evidentment soc dels convençuts que hi ha un bon grapat de protagonistes culturals en tots els àmbits culturals que superen en molt a Lita Cabellut, com en el camp de les Arts, ara mateix tenim a Antonio López, que ara està exposant a La Pedrera.

Evidentment que els gustos no son mai comuns, i Lita Cabellut amb la seva vitalitat actual i la de la història passada té un foc que sedueix a molts. Però jo penso que els Premis que ha atorgat La Vanguardia, no son a la millor flamarada ans al contrari, al resum d’un treball constant i continuat.

Durant força temps vaig tenir una relació continuada amb una persona que va quedar abduïda per la personalitat pròpia i artística de Lita Cabellut. Va estar amb ella, convivint en el Palau que tenia, i suposo que encara manté a França i li va escriure el catàleg de l’expo “Dried Tear” que va celebrar per aquestes èpoques, just fa 10 anys, a l’Opera Gallery de Seul.

Al cap de poc varen trencar relacions i m’explicava , crec que amb tota sinceritat, el personatge que havia creat Lita Cabellut i el seu mètode de treball , amb una desena de persones que cercaven les fotografies base de les obres, que preparaven tot el fonament de les mateixes, molt a l’estil del segle d’or, per que Cabellut acabés  simplement donant el toc final, gestual, intens i personal.

Potser  seran molts dient que així és l’art actual. O sinó que li diguin a Damien Hirst, però jo segueixo  creient encara en el creador que gesta la seva peça, entenent perfectament els ajuts necessaris que precisi. A fi de comptes, un s’ha criat en l’art a Mataró, a on tenim el gran gastador d’obres d’art d’autors com Tàpies, Saura, Guinovart o Palazuelo, però creient com creu aquest autor, que l’artista és l’altre i ell el simple manobre que fa possible la idea. Però entenent que ell sempre ha treballat sobre una idea ja gestada , dibuixada i fins i tot amb un petit treball de maqueta, però mai ha gestat el treball del gran artista.

El Compte de Godó, com abans avia estat el seu amic, Antoni Vila Casas, ha quedat subjugat per la potència personal i plàstica de Lita Cabellut, llàstima que ningú del seu entorn li ha fet entendre que amb el premi recolzava més el comerç artístic que la qualitat, i a bon segur, justa la fusta, és el que pretenia.

LITA CABELLUT.EL GRAN INTERROGANT

De fa molt de temps, en realitat d’abans de l’estiu, que sols un nom plana en l’ambient artístic barceloní, i aquest no és altre que el de Lita Cabellut. I això que ara mateix hi ha una exposició que mereix molta més atenció , com ho és la de Joan Ponç a la Pedrera. malauradament  oblidada per part de tots, mitjans d’informació, afeccionats i públic en general. Cosa que no passa amb la retrospectiva de Lita Cabellut  a l’espai Volart de la Fundació Vila Casas, que mai havia tingut en la seva existència una acumulació  tan gran i dispar de visitants ,entre artistes , afeccionats , culturetes varis, club de jubilats i senyores pones, convertint la visita a les sales d’Ausiàs March en visita obligada si vols estar a la page de la cultura barcelonina. I així està de curull a totes hores.

És obvi que un no ha resistit a la temptació i n’ha fet també visita amb un sabor agredolç en sortir de la mateixa. Havia vist l’anterior expo de Cabellut al mateix espai que ara mateix i  a més a més  les explicacions que m’havia fet  Gerardo Gil que va ser qui va escriure el catàleg de la seva exposició a Singapur el 2013, m’havia permès conèixer de primera mà, no tan sols el modus operandi de l’artista , alhora que entendre en part l’especial  psicologia d’un autora , esdevinguda diva  per si mateixa i per el fet comercial propi d’un món artístic al que li complau en gran manera històries personals com la de la pròpia Cabellut,i més en uns moments en que l’art pur va de baixada i s’eleva al màxim a autors com Jeff Koons o Damien Hirst.

Passejar-se per l’exposició retrospectiva que ens ofereix la Vila Casas no hi ha dubte que impacta. Les gegantins obres se’t llencen al damunt de manera aclaparadora i et sents sotmès a la força de la mirada dels protagonistes que alhora empetiteixen la teva. Però el mateix succeeix en les escasses obres de format normal que segueixen reptant-te  en el diàleg directe, aconseguint un ambient aclaparador , ben ajudat per un muntatge i una il·luminació perfectament adient.

I això que la prevenció per la metodologia, l’ús i l’abús del romanent comercial en el que l’artista està submergida i en el que es mou de manera perfecte, et crea una certa prevenció defensiva front de l’engany tècnic, el truc formal en el que desenvolupa tot el fer, però al final la rendició és obligada ja que és la demostració més fefaent del que sempre hem defensat, la tècnica és i ha de ser mitjà , mai finalitat, I cada finalitat precisa de la tècnica més adient. És la fàcil comparança amb la que sempre he discutit amb els artistes. Quan menjo un entrecot i valoro el seu sabor, m’importa poc com ha estat fet si amb llenya , a la planxa , a la pedra. Si s’han emprat olis, grasses o herbes , o al contrari ha estat una cocció nua. Al final el que valoro és el seu sabor, l’exaltació dels gustos que ha generat en el meu paladar.

 Això mateix succeeix amb Cabellut. Sabem la seva habilitat , el treballar amb la fotografia base i aquest tècnica adaptada de la pintura al fresc. Aquesta fotorealitat que anirà capgirant pinzellada a pinzellada, gest a gest , color a color, textura a textura. Aquest realisme que anirà derivant  per mostrar interiors, sense  modificar aparences, assolint un retrat que depassa al protagonista , conegut o no, per establir-se en els marges del retrat humanístic en l’estil mental dels seus grans referents , de Velázquez a Goya, des dels artistes flamencs a Bacon, potser l’artista amb qui sembla visualment tenir un més gran lligam.

I tot arrodonit amb el paper dels seus personals envernissats formadors de craquelés superficials i donant petit volum amb l’aparició de petites bombolles que cobreixen tota la seva superfície.

Com molt bé diu Giralt Miracle en l’escrit de presentació, Cabellut cerca els límits allà on s troben els posicionaments contraposats. És allà on es mou com peix a l’aigua l’artista en aquesta juguesca continuada d’obligar a  buscar el rerefons ja que el dubte s’estructura en que tot pot ser pur, diàfan i veritable, o el més gran dels enganys  en forma de gran mentida. Però això sí a la recerca de l’arrel psicològica més profunda , sigui la figura que sigui i l’època o el moment que vol representar.

Un es queda sens dubte amb la sèrie Black Tulip(2014) que tant s’acosta a Vermeer i a a la pintura holandesa que tant bé coneix, fruit de la seva residència a La Haia. L’espectacular obra de la trilogia del dubte ( 2012) i la sèrie Madnes and Reason (2010), o la instal·lació de “caps” , mentre que en la part negativa m’atrau molt poc la pintura referencial oriental i les dedicades a Coco Chanel, Frida Kalo o Camarón, excessivament retòriques al meu entendre.

En resum una exposició de recomanada i lenta visita que exigeix una reflexió in situ. Una obra d’una creadora amb un altíssim poder comunicatiu encara que  jugui tècnicament a l’engany. Visitar-la és com acudir a un espectacle de prestidigitació. Saps que hi ha truc, però quedes embadalit. Aquest és el cas de Cabellut que pertany del tot a aquest nou art espectacular , magnificent i aclaparador , encara que al final puguis pensar que el contingut és més un flash efervescent que no el desig de trametre la profunditat d’uns pensaments filosòfic i/o estètics.

Un art , el de Cabellut , que respon perfectament a una de les definicionshabitual de l’art , que no és altre que  la d’artifici.

LÁGRIMA SECA.- LITA CABELLUT / GERARDO GIL (III)

"El duende es un poder misterioso que implica

otra manera de pensar y de sentir."

                                                                    LITA CABELLUT

                                                                                                           

 INTENSIDADES

La forma narrativa obedece a un ritmo, es la síntesis de una métrica que hace latir el tiempo en periodos regulares con un acento que modifica la longitud o la amplitud del lienzo. Esta propiedad vibratoria y musical aparece con evidencia en la serie "Lágrima Seca", donde los retratos y figuras que la componen nos transmiten una INTENSIDAD sonora llena de sensualidad, marcando un compás donde desaparecen y se diluyen las notables diferencias entre dos culturas que ya no tienen necesidad de recordar su pasado, ya no necesitan procedimientos especiales para fusionar su relato, pues los personajes representados llevan en su interior ese ritmo entrecortado, íntimamente guardado y al escucharlo un acento circunflejo se cierne sobre nuestro corazón, trasladándonos a ese territorio confidencial del diálogo interno, donde un conjunto de emociones se yuxtaponen, mezclando las ideas del saber hacer, del saber mirar o del saber escuchar.

Desde el origen, el grito es la mayor manifestación de excitación de la materia viva, ya sea en el dolor o en el placer. Un trazo sonoro, una envoltura verbal, un lamento exacerbado, nos recuerda que nos hallamos delante de un territorio vertiginoso que se extiende entre el cuerpo y los símbolos, entre el signo y el lenguaje, donde la palabra ejerce de boomerang entre el interior y el exterior de nuestros sentidos. Intuimos un grito profundo de alarma, de protesta y libertad que atraviesa las imágenes de los cuadros de Cabellut, dentro de un organizado delirio que va transformándose en poesía. Una poesía que inunda nuestros oídos con su música callada, con su sordo "QUEJÍO", que a veces por su INTENSIDAD, nos impide deambular entre los poros de sus enormes cuadros. Todo un abanico de interrupciones del pensamiento, queda relegado a la esfera del lenguaje, sin ejercer violencia alguna contra nosotros, más bien al contrario, con su muda melodía nos acompaña en nuestro viaje por un pensamiento ajeno que constituye una ruptura de la subjetividad. El "DUENDE" emana energía y con su ritmo musical nos va acercando a un universo donde los hechos cotidianos, serán considerados la fiel manifestación de nuestra forma de pensar y de sentir. Una visión muy sutil de la vida, adaptada a la capacidad humana de componer signos y figuras, dentro de un caos en perpetua rotación.

El concepto budista MONO NO AWARE, utilizado para transmitir en el arte oriental una sensación de bella tristeza, de triste melancolía, nos envuelve desde su fugacidad, insistiendo en los conceptos tiempo, espacio y materia como refugio para nuestra sensibilidad atravesando nuestros pensamientos en silencio. La complejidad y arbitrariedad de las texturas también son elementos esenciales en estrecha relación con la cultura oriental, concretamente con el WABI SABI o arte de la impermanencia japonés, ya que sin ellos, las piezas no sugerirían realmente la naturaleza de la evolución de un pensamiento, basado en la idea de la perfección como concepto inalcanzable. Este principio se refleja en las telas de Cabellut, cuya superficie no llega a tener un acabado suave y pulcro, sino al contrario, son el resultado de la descomposición de la naturaleza orgánica de sus propios materiales, tras un proceso de investigación muy complejo, que ha tardado más de cinco años en realizarse.

El lienzo se convierte en mesa de laboratorio, produciendo resultados sorprendentes, donde se añade  la expresividad de la propia materia en conjunción con diferentes capas de colores.

Para adentrarnos en el origen y evolución de la técnica pictórica de Cabellut, tendríamos que trasladarnos hasta el Antiguo-Egipto y descubrir el PALINSEPTO, basado en la idea de sobrescribir o repintar sobre papiros o tablillas de madera, diferentes textos y jeroglíficos que se iban superponiendo. Un método excelente aplicado a la pintura, donde la materia ordenaba el proceso creativo. Pintar, borrar y añadir nuevas capas de pintura, de forma casi simultánea, para hacerlas coincidir sobre la misma superficie. 

Más adelante e insistiendo en la misma idea, aparece la XILOGRAFÍA o UKIYO-E, que se desarrolla en Japón durante el siglo XII, consistiendo en un grabado o inscripción sobre madera de cerezo, que servía para estampar las telas. Se elaboraban varias planchas de la misma imagen, una por cada color y se iban estampando sucesivamente, una sobre otra en el mismo lienzo. A diferencia de la gráfica occidental, en Japón no se utilizaba la prensa, sino un redondel de cuerdas que servía para presionar sobre la parte trasera de la tela, con movimientos circulares. Un proceso artesanal que requería una gran habilidad y que fue aplicado a planchas de metal por Durero en 1498, para la realización de su fantástica serie "Apocalipsis". 

Avanzando en el tiempo, con el expresionismo alemán, surge la técnica del IMPASTO que también consistía en ir añadiendo sucesivamente, sobre una superficie espesa de pintura aún muy húmeda, colores y texturas que producían grietas y estrías por donde guiar el ojo más allá de lo visible, la mano e incluso el brazo del artista fuera de sus límites, consiguiendo un efecto tridimensional en las obras.Materia-fetiche, trazos y formas en conjunción con masas de colores, el significante sustituyendo de nuevo a la parte simbólica, un viaje en espiral de Auerbach a Tàpies hasta llegar a Richter, donde la depuración y sofisticación de ésta técnica alcanzará su punto más álgido. Aplicando la teoría del referente y asimilando la influencia de sus grandes maestros, Cabellut añade además a sus telas la técnica del CRACKING, proceso de destilación de las moléculas de ciertos compuestos químicos, que a altas temperaturas las transforma y ramifica en otras más simples, pero no menos impactantes.

Los cuadros que componen la colección "Dried Tear", van a concentrarse en un modelo del mundo en constante desplazamiento, entregándonos la identidad, la forma acabada de un rostro, como signo de lo estático, como superficie donde introducir nuestra subjetividad y sus fuerzas pulsionales. Un lugar de encuentro del conjunto de impulsos e INTENSIDADES individuales, que componen la vida humana. Sensible a ese "eterno retorno", reflejan el rumbo cambiante del rostro, transmitiendo la sensación de movimiento, intensificando las formaciones del espíritu. Parece como si los rostros estuvieran cuarteados, erosionados y en conexión con los demás rostros, en una red compleja que nunca se detiene. 

Una tensión constante entre umbrales y deslizamientos progresivos, que alteran el mundo cambiante de la existencia, rompiendo en su círculo vicioso con la tendencia a la uniformidad con la que imaginamos nuestro propio rostro, el signo más visible del perpetuo cambio. Un modelo de figuración que ata nuestro pensamiento a la ficción, a la fábula de un cruce quebrado de conexiones entre dos culturas en perfecta armonía. Oriente-Occidente, dos formas distintas de interpretar un mundo repleto de signos, de sustituciones simbólicas, de niveles dialécticos yuxtapuestos, en los que Cabellut actúa de mediadora, como alquimista de la materia, para restablecer el uso simultáneo de dos funciones correlativas: la imaginaria y la simbólica en el Arte Universal.

LAGRIMA SECA ( II ) . LITA CABELLUT / GERARDO GIL

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"Me gusta siempre cuestionar qué es realidad y qué es fantasía".

                                                                    LITA CABELLUT

                                                                                                            SEGMENTOS

Los ideogramas de la escritura china proceden de la pintura, de un "pictograma"  que ha enseñado al ojo chino a reconstruir una síntesis de lo real, concentrándose en sus rasgos más específicos, sin detenerse en el detalle, buscando una forma equilibrada, rítmica, de cada elemento figurativo. Toda forma se convierte en símbolo generalizado. Lo real estilizado en su forma más sintética, viene consolidado por la figura del pintor JING HAO y la del poeta WANG WEI, pertenecientes a la época de la dinastía Tang del siglo VIII. Por ellos atraviesan los tres ejes fundamentales que caracterizan la historia del pensamiento chino: el confucianismo, el budismo y el taoísmo y los seis SEGMENTOS o axiomas que determinan la estética del BI FAJI o ausencia de método: 1) QI- El libre movimiento que guía al pincel / 2) YUN- Ritmo / 3) SI-Composición / 4) JING-Factor anímico / 5) BI- Habilidad / 6) MO-Conocimiento de la materia.

Un juego de apariencias estructurado proporcionalmente, que nos transmite la sensación de que todo verdadero conocimiento es imposible. Sólo será posible percibir las supuestas apariencias y similitudes entre dos mundos, por la fuerza de la inteligencia, por la profundidad de una brillante mirada que ilumina ese otro mundo con luz propia, haciendo resplandecer toda una serie de rostros y figuras de otra época. 
Ante los cuadros de Cabellut, la realidad nos supera y nos devuelve con su boomerang, una experiencia privada que guía nuestra mirada, para enseñarnos de nuevo a ver el mundo en su diversidad, haciendo de cada gesto, de cada elemento figurativo, un lugar privilegiado, que no se reduce simplemente a la espontaneidad alucinada y desproporcionada de la composición de sus obras, sino que a través de la búsqueda de un lenguaje pictórico personal, apoyado en una técnica insólita y novedosa, consigue transcender también, los límites del discurso oriental, sumiéndonos dentro de su realidad, que se irá convirtiendo en la noticia pictórica de nuestra propia realidad.

Una noticia que se sitúa lejos de los conceptos convencionales del arte contemporáneo, con una propuesta estética que apuesta por un arte más misterioso y menos industrial que el de sus coetáneos, donde predominan las instalaciones más monumentales, las obras más conceptuales, las piezas más efectistas... Aquí el discurso es neutro, calmo, pasivo, y establece un diálogo con un cosmos alejado de nuestra realidad inmediata y cotidiana, planteando un nuevo lenguaje, donde lo sublime se une a lo posible y lo imposible, para componer la mise-en-scène de un universo, cuya escenificación resulta distante, oculta y enigmática. 
Cabellut no pinta un rostro o una figura en un cuadro, sino que más bien refleja la manera en que ese rostro, esa figura, decide mirar al mundo. "No pintes el objeto en si, sino el efecto que produce", recomendaba Stéphane Mallarmé a Édouard Manet. La balanza se inclina hacia un realismo escenográfico, basado en la concepción de la obra a través del nacimiento y la razón de ser de la materia. Los cuadros son una yuxtaposición directa y no una mera representación-ilustración de los sentimientos. Su realización no está determinada por el dinámico trazado de una larga línea unificadora, sino por la relación entre sus diversos SEGMENTOS o axiomas energéticos, esparcidos por la superficie de sus telas.

Aquí los factores espacio-tiempo, cobran una relevancia fundamental que se traduce en el significado que logran sus enormes formatos. La superficie está estructurada por un ritmo común con multitud de centros cromáticos autónomos, que parecen explotar en sus diferentes zonas, debido a la superposición y concentración de hasta quince capas sucesivas de materia.

Estamos ante un hecho pictórico importante, donde lo que destaca en realidad es la coherencia y el equilibrio de las formas, frente a un mundo imaginario transformado en sueño, donde se refleja el paroxismo persistente entre signos y símbolos, evocando una suprarrealidad misteriosa y arquetípica que impide a priori, una interpretación o una lectura unívoca del contenido.

Los ejes oníricos vienen provocados por esa técnica aplicada en los lienzos, donde descubrimos tres SEGMENTOS indisociables:

- La idea del caos y su representación.

- La idea de lo absurdo y su escenificación, que se diluye, ya que no existe escenificación posible dentro de lo absurdo.

- La síntesis manifestándose en CLOSE-UP’S, sustituyendo a la suma y a la coherencia, la unidad desplazando al análisis.

Hay una conexión, un hilo directo basado en la energía con que se transmite la idea del caos, como representación de una realidad continuamente cambiante y la iconografía de la obra de una artista española de origen gitano, que ha sabido desarrollar una disgresión técnica al servicio de una idea, que enlaza muy sutilmente con las claves del pensamiento y la evolución del arte oriental. Partiendo de Kano Eitoku, So Shiseki, hasta llegar a Zao Wou-Ki, descubriremos el principio de “sincronicidad” que indica una correspondencia entre dos sistemas, entre dos estados simultáneos, en abierta oposición al axioma de “causalidad” de la cultura occidental, donde los fenómenos de la vida y el caos, se relacionan entre sí, regidos por una conexión de causa-efecto.

En esta visión sincrónica de la civilización, cuerpo y espíritu son dos percepciones diferentes de una misma energía, que Cabellut absorbe como referente decisivo en el contenido de su obra: la fragilidad, la tristeza, la histeria de la ignorancia, la idea de lo absurdo, el miedo a la muerte, la degradación del poder, los sueños inundados por monstruos extraños, no dejan de ser conceptos rescatados de esa filosofía oriental, condensados y encerrados en un espacio escénico cargado de tensión. Pinturas duras, a menudo llenas de una furia apenas controlada, dentro de los márgenes y aristas del gran formato, elegido precisamente para extender el brazo y la mirada, aceptando el desafío de la escala.

Nuestra imaginación se detiene para enfrentarse a todas las contradicciones de un pensamiento enredado en lo absurdo, cubriendo con imágenes lo carente de razón, haciendo un esfuerzo en el que la inteligencia y la pasión se mezclan para desaparecer después. Donde comienza la expresión, termina el pensamiento. La obra de arte encarna el drama de la inteligencia, pero sólo lo demuestra indirectamente, exigiendo a la artista una aproximación hacia lo concreto cuya interpretación no signifique nada más que lo concreto. Una vez más, lo que estás imágenes proponen, es un retorno a la exaltación de la belleza como impulso supremo, dentro de una combinación apocalíptica entre lo sublime y el caos.

Camuflarnos en el mundo de lo absurdo tras los cuadros de Cabellut, conlleva una mise-en-scène muy exigente y resultará un desafío, pues tampoco existe método ni modelo predeterminado que nos indique el camino a seguir. Sólo podremos basarnos en nuestra intuición, pero jamás en el extraño poder de la argumentación. Mucho menos en los SEGMENTOS energéticos e  iconográficos del arte, pero sí en la meticulosa observación del detalle, en la sensibilidad a su estilo y en una comparación exhaustiva entre dos culturas, fundamentada en la retentiva de nuestra memoria visual.

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( Nota al marge. L'exposició que s'inaugurà ahir va vendre totes les obres exposades en menys de 24 hores )

LAGRIMA SECA. LITA CABELLUT / GERARDO GIL

Tal i com ja varem comentar , en el decurs dels propers post anirem desgranant el majestuós escrit que el bon amic Gerardo Gil ha realitzat per a l’exposició  “Dried tear” que Lita Cabellut, l’artista emergent del moment inaugurava ahir mateix a “Opera gallery” de Singapur.

De la vàlua de Lita Cabellut tots en varem ser conscients quan abans de l’estiu presentara la seva obra a la Fundació Vila Casas. De la importància d’Opera gallery tot queda clar visitant el seu web o observant les seves ubicacions en indrets tals com París, Londres, Singapur, Seul, Mònaco, New York, Hong Kong, Dubai, Ginebra o Florida.

En aquesta conjunció apareix l’escrit de Gerardo Gil, escrit sota la flaire del Maresme , a Vilassar de Dalt , i ves a saber si inspirat en les exposicions i/o estudis que ha anat visitant per les nostres contrades , com per ex. ahir mateix que amb tota senzillesa, es va acostar a veure la magnífica expo de Miquel Arnau a la Casa Gòtica d’Argentona , departint amb la seva bonhomia amb amics i coneguts.

Un escrit el que publicarem en tres o quatre capítols, que és de digestió lenta per la seva profunditat. Un escrit per assaborir a petits glops , que ens permet endinsar-nos en el profund eix del pensament creador de l’artista. Un escrit que explicita les raons d’una genialitat. Un escrit que no us heu de perdre.

( Les fotos que acompanyen el post corresponen a l’acte inaugural que va ser un veritable esdeveniment social a Singapor i son una gentilesa de l'autor del catàleg).

LÁGRIMA SECA

"Cada cuadro que pinto contiene una pequeña historia,

cada trazo una frase y una sílaba cada pincelada"...

LITA CABELLUT

                                                                                                                                                                             NEXOS

Existe una relación implícita en la obra de Cabellut entre el "método" aplicado en su pintura y su concepción del universo, que tiende hacia una visión global y un reconocimiento del pasado, convertido en testigo silencioso de los cambios y desarrollos del presente, mediante un flexible equilibrio entre Oriente y Occidente, atravesado por un lenguaje estético que nos descubre plenamente las conexiones entre ambos. Las fuerzas del "yin" y del "yang" convertidas en una alternancia de conceptos, que implican transformaciones, metamorfosis, matices y gestos en constante movimiento, para revelarnos ese viaje en busca de lo esencial, creado a partir de superficies y texturas nuevas en los lienzos e imponiendo la luz sobre la oscuridad, el énfasis sobre la representación, el contraste de colores sobre nuestras emociones, todo ello dentro de un boomerang, que sirve como hilo conductor transparente entre dos culturas.

Partiendo de este contraste entre conceptos, imaginariamente fundidos en la serie "Lágrima Seca", accedemos a un universo secreto, mediante una secuencia compleja de surcos, poros y estrías por donde poder penetrar y descubrir una nueva e insólita aproximación a la función mágica de la pintura. La facultad de poder elegir entre la belleza invisible y lo bello visible supondrá un reto muy arriesgado para nuestros sentidos, un juicio relacionado con la materia, donde la propia naturaleza de la representación artística, desaparecerá, diluyéndose e identificándose con nuestra propia imaginación. Una acción en la que la artista se expresa de forma directa mediante una combinación entre el consciente y el subconsciente, entre el contenido y la forma de la obra. Aquí lo que importa es la postura frente a ese mundo imaginario, sin principios éticos ni corrientes estéticas, donde nos subyuga su resultado final. La lectura del "ojo sólido-lágrima seca" de ese proceso transfigurativo, su análisis conlleva una clasificación establecida por los NEXOS que fluyen entre el objeto y su imagen, entre un concepto y un texto pictórico con figuras alegóricas, representaciones narrativas, ciclos e interpretaciones subjetivas. La iconografía es sólo posible cuando las obras pictóricas poseen una argumentación y una base lingüística propias, que nos permita interpretar su potente significado simbólico, como es el caso de los treinta cuadros que componen ésta serie, donde se desarrolla un "método" esquemático muy aproximativo que nos permite determinar su iconografía a partir de modos de conducta universales e individuales.

Algo sí está más claro y es que frente a su obra nos sumergimos en un luminoso claroscuro, volcado hacia lo absurdo y sus consecuencias o como Cabellut sugiere, un Imperio hundido en la histeria de la ignorancia, perdido en la espiral de su propia esquizofrenia. Los personajes representados en los cuadros, asisten a nuestra propia representación, en busca de una hipotética inmortalidad, transmiten emoción, tensión, tristeza y fuerza e intuimos en ellos un grito de alarma, de protesta y de libertad, que traspasa las imágenes como en un espejo, donde los NEXOS imaginarios se desintegran en los ficticios espejos de las telas, inundadas de un barniz transparente, para configurar simultáneamente su propio simulacro, devolviéndonos nuestra propia representación, que permanecerá enquistada en nuestro subconsciente para siempre, ayudándonos a ampliar nuestra sensibilidad y nuestra percepción de la vida.

Una fascinación compartida: el descubrimiento de una cultura oriental, con una estética y una visión del mundo aparentemente distantes, pero que a través del arte, estableció un rico diálogo con la sociedad de toda una época, la Europa de la segunda mitad del siglo XIX, donde iniciativas tan influyentes como la Exposición Universal de 1888, Siegfred Bing y el "Art Nouveau" o Bracquemond, dejaron su huella en la obra de artistas del post-impresionismo, simbolismo y modernismo  e incluso en las nuevas vanguardias. Una gran riqueza de propuestas estéticas en obras tan diversas como las de Marià Fortuny y sus "Fantasías Japonesas", las "Cerámicas Orientales" de Pablo Picasso o las xilografías de Edvard Munch, Joan Mirò, Kirchner y Hockel. Una corriente que aportó temas, técnicas y formatos dentro de un poema dirigido a Occidente, que descubrió todo un mundo de ideas y formas.

Sumergiéndonos en la serie "Lágrima Seca", donde los retratos de Cabellut se convierten en un inmenso paisaje oriental, advertimos su coherencia con el texto de Bing, "Le Japon Artistique", publicado en 1888,  donde señalaba la necesidad de diferenciar entre el verdadero arte y los productos vulgares que imitaban obras magistrales. La pasión por lo raro y extravagante, por lo exótico, nada tiene que ver con los cuadros de ésta serie. No son imitaciones ni humillantes pastiches de otras obras, sino una respuesta estética coherente, un reconocimiento aristocrático, que realza paradójicamente el carácter popular de un arte distante, encuadrándolo en su propia iconografía.

No hay narración, ni siquiera representación, sólo interpretaciones subjetivas interpretándose a sí mismas, cuyos conceptos fluyen como metáforas disfrazadas, luchando por transmitirnos su forma de pensamiento. Están detenidas en el tiempo, pero podemos insuflarles vida a través de sus cavidades infinitas, introduciéndonos entre los canales de sus venas. "Las cicatrices son realmente venas que tienen las telas, mi obsesión es darles piel a los personajes que retrato. Después van mis pinceladas" señala Cabellut. Un viaje que exige mucha concentración, toda nuestra invención y colaboración creativa, para simplemente conseguir caminar por ellas. Son el reflejo de un mundo representado en un gran espejo, que debemos atravesar para introducirnos en un desierto donde nuestra imaginación deambulará  libremente por otros mundos imaginarios.

Cada cuadro se desdobla en otra réplica, que insinúa una nueva visión del significado del anterior, como en un juego de espejos, un vaivén compuesto por varias ramificaciones del discurso, donde nos enfrentamos a las lágrimas, al reto, a la verdad o la ilusión, como en una parodia sustentada por una cuestión matérica: las diferentes capas de pintura que se van añadiendo a los lienzos, para borrar decididamente el origen del pensamiento. Como sí fuera la teoría nietzscheana del "eterno retorno", convertida en parodia de todas las teorías posibles. El objetivo consiste en contrastar a través de sucesivas deformaciones paródicas, un cruce de culturas que plantea y cuestiona por dónde deben de ir los designios de la humanidad, cual es su condición, qué barreras deben trastocar, qué límites vencer o cómo reconstruir un nuevo dominio, desde donde la ley se regule por nuevas leyes, por leyes contra la ley, haciendo germinar con más ímpetu nuestra admiración al tributo de una artista hacia otro mundo, que seguirá  reflejándose en el espejo de nuestra propia dispersión, con una suave inflexión.

El fuerte contenido de las imágenes, disgrega la línea narrativa de un lenguaje, donde no se aplican límites formales a lo que no tiene límites, donde las viejas relaciones entre signo y significado, entre significante y símbolo, ya no existen, ya no tienen ningún valor, porque vienen renovadas por la fuerza de la imposición de otra lógica mental sobre la realidad, que incluso comienza a resultarnos familiar, al revelarnos el máximo principio oriental de la pintura, donde siempre prevalece la falta de "método", el "método del no-método", como axioma insustituible en la praxis del arte.

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Gerardo Gil